La alegría del ser

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Acercamiento al proceso creativo de ENJAMBRE
Proyecto Tráfico / Dir. Fabián Santarciel de la Quintana

 

La sociedad futura, en su organización, deberá contar con un nuevo poder, a saber, con el poder de las masas.
Por causa de la resolución y firmeza voluntaria, [la masa] es susceptible de un nosotros, de la acción común, que es capaz de atacar las relaciones existentes de dominación.

Buyn Chul Han

En 2012 nace el Proyecto Tráfico. Bajo la iniciativa de Fabián Santarciel en diálogo con artistas locales, este proyecto propone un puente artístico entre Uruguay y los Países Bajos, que ha generado desde entonces un intercambio cultural fructífero del que ENJAMBRE es la sexta producción escénica (2012: Inocente; 2013-2014: Rebel, Minutas; 2015: Us, No Literal) y la primera que, comenzando en Ámsterdam, finaliza en Montevideo, contando con la presencia de los artistas uruguayos y europeos desde el comienzo del proceso.

El antecedente más directo de esta obra es el proceso de creación de la pieza One (2009, Ámsterdam), donde doce intérpretes exploran la relación individuo-colectivo. ENJAMBRE redimensiona esta exploración convocando a más de treinta intérpretes en la escena, buscando un lenguaje “más abstracto, brutal y crudo”, en palabras del director, y como el inicio de una cadena productiva que continúe en diferentes ciudades y con artistas diversos, incluida una versión con performers de la “tercera edad”.

El título proviene del libro “En el enjambre” del filósofo surcoreano Buyn Chul Han, que analiza las diferencias entre la “masa clásica” y una nueva masa a la que llama “el enjambre digital”, y propone pensar las posibilidades políticas de una masa empoderada que, en consonancia con el concepto de “multitud” de los filósofos Michael Hardt y Antonio Negri, se erija como una clave para la emancipación del hombre contemporáneo.

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ENJAMBRE / 4, 5 y 6 de diciembre

Dir.: Fabián Santarciel de la Quintana
4, 5 y 6 de diciembre

20.30 horas
Sala Zavala Muniz – Teatro Solís

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El hombre natural: cuando no había sido sometido a la artificialidad de la cultura, la sociedad y la educación, este hombre natural era puro instinto, ajeno a la depravación del pensamiento. No conocía la propiedad ya que ésta surgió de lo no-natural como la industria, las necesidades superfluas y de las ideas. Tampoco sabía de egoísmos, de guerras, de esclavitud, de vicios ni de afectos de ninguna clase dado que todo esto sólo surge de la aculturación, es decir de la alienación sociológica.

Jean Jacques Rousseau

Enjambre es un trabajo urgente, poético y desnudo. Es una experiencia corporal y visual que llega al espectador de manera cruda, salvaje y sensible. Un atentado colectivo a reflejar nuestra identidad animal. Este enjambre-aglomerado de seres humanos es una (posible) visión de lo que somos: un pasado y un presente conjunto, millones de años de segregaciones corporales, conjunciones, excrecencias, humores vitales, que se reproducen y se extinguen, ciclo a ciclo, por siempre. Un ritual milenario arraigado en nuestros cuerpos.


Idea y creación
Fabián Santarciel de la Quintana/ Tráfico (UY/NL)

Núcleo co-creador
Matteo Bifulco (IT/NL) / Nick Deroo (BE/NL) / Melisa Garcia Lueches (UY) / Cecilia Lussheimer (UY) / Julieta Malaneschii (UY) / Kim Verbeke (BE/NL) / Erik van de Wijdeven (NL)

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El crimen imperfecto

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Acercamiento al proceso creativo de EN LA SOMBRA DE UN ELEFANTE
(Cía. LUPITA PULPO / Dir. Ayara Hernández Holz)

La ausencia de las cosas por sí mismas, el hecho de que no se produzcan a pesar de lo que parezca, el hecho de que todo se esconda
detrás de su propia apariencia y que, por tanto, no sea jamás idéntico a sí mismo, es la ilusión material del mundo. Y ésta sigue siendo, en el fondo, el gran enigma, el que nos sume en el terror y del que nos protegemos con la ilusión formal de la verdad.
So pena de aterrorizarnos, tenemos que descifrar el mundo, y aniquilar, por tanto, su ilusión primera. No soportamos el vacío, ni el secreto, ni la apariencia pura. ¿Y por qué tenemos que descifrarlo, en lugar de dejar que irradie su ilusión como tal, en todo su esplendor? Pues bien, también eso es un enigma, y forma parte del enigma que no podamos soportar su carácter enigmático. Que no podamos soportar su ilusión ni su apariencia pura forma parte del mundo. Tampoco soportaríamos mejor, si tuviera que existir, su verdad
radical y su transparencia.

Jean Baudrillard (El crimen perfecto)

La compañía LUPITA PULPO, cuyo núcleo central está integrado por la uruguaya Ayara Hernández Holz y el alemán Felix Marchand, ha presentado su trabajo en Europa y Latinoamérica desde el año 2002. Actualmente, está radicada en Uruguay y cuenta para sus proyectos con la colaboración de artistas locales (Érika del Pino y Chiara Hourcade comparten con ellos la creación y la escena de EN LA SOMBRA…), modalidad que no estrena con esta obra, sino que continúa un proceso de intercambio que data de sus inicios.

Sus últimas producciones se entrelazan intertextualmente en la búsqueda de un lenguaje que dé cuenta del juego escénico como un diálogo complejo entre realidades y apariencias, rostros y máscaras, revelaciones y secretos.

Para darle espesor a este juego, los creadores han recurrido, por un lado, a lo que podríamos llamar un sentido “ecológico” de la creación: las obras pueden entenderse como residuales respecto de otras en un juego de cajas chinas en el que jamás podremos llegar a la última, en el que lo original no es más que otro simulacro. Este aspecto se desarrolla en diferentes direcciones, tomando como excusa y puntapié para la creación obras de otros tiempos y autores, obras propias precedentes, recuerdos de obras narrados por espectadores, etc., para dar continuidad a un proyecto de “documentación orgánica”, como lo llama Hernández, en el que los trabajos artísticos se presentan dentro de series infinitas potenciando una poética de afectaciones múltiples.

Por otro lado, el recurso a una exploración intuitiva sobre otras disciplinas, como es el caso del cine en esta obra, les ha abierto un campo creativo inusual, que produce una estética particularmente híbrida a partir de la conquista que supone la libertad de no saber, es decir, de no poder dar cuenta de un conocimiento acabado de la práctica cinematográfica, sino de un acercamiento lúdico e irreverente a parte de su historia y procedimientos.

“¿Cómo hacer un falso documental de una obra escénica en vivo?” fue la pregunta que tituló el laboratorio de experimentación que llevaron a cabo en el Instituto Nacional de Artes Escénicas mediante la Convocatoria Anual, como parte del proceso creativo de la pieza. Si bien EN LA SOMBRA DE UN ELEFANTE desplaza la idea de documental por la de una realización audiovisual de características menos categóricas, continúa pulsando la fuerza de un dispositivo escénico destinado a crear apariencias, ficciones, falsedades para ser contempladas como “verdades” en otro soporte, pero que al mismo tiempo no podemos dejar de ver como realidades en tiempo presente, como performatividades que sostienen un aquí y ahora perceptible, innegable.

El cine llega fundamentalmente a través de algunos recursos utilizados en la primera mitad del siglo XX, cuya recreación se presenta como más apta para la realización escénica y que nos introducen lúdicamente en aquella “magia del cine”, de alguna manera perdida y reencontrada. Como una influencia dentro del arte contemporáneo, los directores citan al cineasta tailandés Apichatpong Weerasethakul, cuyos trabajos -en consonancia con muchos aspectos de esta obra, y a veces a caballo entre el cine y la instalación-, recurren a los telones pintados, a la revelación parcial de los sets de filmación y a la fantasmagoría.

“Entre lo que se muestra, lo que se esconde y lo que está a punto de aparecer” se desarrolla -en palabras de los artistas- el juego de esta obra que se nos presenta como una invitación a disfrutar el mundo sin descifrarlo, a vivir en sus detalles, a dejarnos captar por las imágenes y sus reflejos sin determinar un sentido último de la verdad material, pero en la libertad de elegir, para cada uno, la mentira más placentera, y con el tiempo para preguntarnos acerca de esas decisiones que van tomando nuestros sentidos, cuando todo está fatalmente oculto y a la vista al mismo tiempo.

“Behind your eyes” (detrás de tus ojos) fue el título provisorio que llevó la obra antes de tomar el actual. En él se aludía -por oposición- al recurso contrario que consiste en poner todo “delante de nuestros ojos”, advirtiéndonos sobre esa ilusión de transparencia, ya que podríamos pensar -junto con la obra- que todo lo que se ve o percibe supone -necesaria e irreductiblemente- un mundo invisible, imperceptible, incluso inimaginable, y por eso mismo, perfectamente recreable o plausible de ser inventado y reinventado a piaccere y ad infinitum.

La obra nos permite componer un mundo abierto con “lo que hay en lo que hay”, moviendo la percepción hacia una zona de misterio que a la vez es un fake, muestra su torpeza, como si los trucos fueran hechos por un mago borracho al final de una fiesta.

Entre todo lo que es y no es al mismo tiempo, se erige una poesía de la escena, de la pantalla, y de la rememoración como creadores de mundo. Los cuerpos atraviesan una infinidad de juegos de escala que, como en la película El increíble hombre menguante (1957), nos zambullen en un viaje gulliveriano, confrontándonos con la pregunta por el ser de las cosas y los hombres, no ya con el fin de encontrar una respuesta, sino por el contrario, intentando alejarnos de lo que Baudrillard llama “el destino fatal de un mundo objetivo”, ese “crimen perfecto” que sería la realidad si no la traicionaran sus apariencias. Siguiendo, tal vez, al filósofo en su sentencia: “La proliferación de la realidad, como una especie animal de la que se habrían eliminado los predadores naturales, constituye nuestra auténtica catástrofe”.

Carolina Silveira

EN LA SOMBRA DE UN ELEFANTE

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20, 21 y 22 de noviembre
20:30 hrs.
Sala Zavala Muniz – Teatro Solís
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EN LA SOMBRA DE UN ELEFANTE es un montaje de una película que es un montaje de una obra escénica que es falsa, que cuenta una historia que es verdad pero que nunca sucedió; que es épicamente absurda, misteriosamente abstracta y mágicamente real, pero que no es nada de esto y es todo eso a la vez. EN LA SOMBRA DE UN ELEFANTE es una obra intrépidamente pequeña que se parece a muchas obras que no se parecen a ninguna, que la hace una multitud de personas pero son sólo unas pocas en escena.

Idea y dirección:
Ayara Hernández Holz
Creación e interpretación:
Erika del Pino, Felix Marchand, Chiara Hourcade, Ayara Hernández Holz e invitados.
Producción:
LUPITA PULPO
Apoyos:
CCE, GEN

Agradecimientos: Arauco Hernández, y a todos los participantes del laboratorio ¿Cómo hacer un documental falso de una obra escénica en vivo? que se realizó en el INAE.

¿Quién está realmente vivo hoy?

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Acercamiento al proceso creativo de LO GRABADO EN UNA SUPERFICIE  (Dir. Vera Garat, Tamara Gómez y Natalia Viroga)

La dicotomía madre-puta está dibujada artificialmente sobre el cuerpo de las mujeres, un poco como el mapa de África: sin tener en cuenta las realidades del terreno, sino únicamente los intereses de los colonizadores.

Virginie Despentes

En 2016 se produce el primer encuentro de estas tres mujeres en torno a un proceso de investigación que, casi tres años más tarde, se convierte en una obra escénica. Mayormente en residencia en el Centro Cultural de España de Montevideo pero con otras varias instancias de trabajo (INAE -Proyecto Bitácora-, NAVE -Santiago  de Chile-, GEN, etc.), las diferentes etapas del proyecto tienen como marco metodológico la lectura, la discusión, la búsqueda de referencias, la experimentación y el análisis, en un movimiento continuo que permite observar transformaciones importantes desde las primeras aperturas al público a la pieza que hoy nos convoca.

Desde la pregunta por la potencia escénica y política de un cuerpo desnudo de mujer, las creadoras se sumergieron en un mar de referencias, comenzando por las provenientes de las artes visuales –en las que varias personas del equipo se han formado- y las artes escénicas, y en un diálogo intenso con la filosofía, la literatura y la sociología,  a través de autores que problematizan la noción de género y proponen en un marco biopolítico contemporáneo, como Judith Butler, Peter Pal Pélbart, Silvia Rivera Cusicanqui y Virginie Despentes.
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LO GRABADO EN UNA SUPERFICIE

30 y 31 de octubre – 1 de noviembre
20:30 hrs.
Sala Zavala Muniz – Teatro Solís
Entradas y descuentos

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“Nada sorprende que nuestros pensamientos, ideas e imágenes en lugar de perder el tiempo en la extensión de los bordes se precipiten hacia los agujeros: cavernas, bocas vociferantes”

L. Nancy, Corpus

 

Vera Garat- Tamara Gómez- Natalia Viroga

Creadoras e investigadoras escénicas residentes en Montevideo. Desarrollan proyectos de creación y colaboran artísticamente desde el año 2010. En el 2016 realizan el proyecto Doble Capa en residencia en el Centro Cultural España el cual desemboca en el proceso de creación Lo grabado en una superficie. Sus intereses artísticos se orientan hacia prácticas transdisciplinares, el diálogo entre lo visual y lo escénico atravesado por la acción en el presente y la búsqueda de nuevos modos de creación.  

Dirección y creación:
Tamara Gómez, Natalia Viroga y Vera Garat

En escena:
Luciana Chieregati, Vera Garat, Tamara Gómez

Diseño de arte:
Santiago Rodríguez Tricot, Tamara Gómez, Natalia Viroga y Vera Garat

Diseño de iluminación:
Santiago Rodríguez Tricot

Fotografía:
Nacho Correa

Realización audiovisual:
Nacho Correa, Tamara Gómez, Natalia Viroga, Vera Garat, Santiago Rodríguez Tricot

Este proyecto estuvo en residencia en el Centro de Creación NAVE en Santiago de Chile y en el Centro Cultural España en Montevideo. El proceso fue Bitácora del Instituto Nacional de Artes Escénicas, presentado en Microescena, CCE y Nido, Campo Abierto. Fue apoyado por el Centro de Artes y Ciencias, GEN.