En octubre: “Serie Caníbal – Capítulo 1”

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Imagen: grabado de Hans Staden, del libro “Verdadera Historia y Descripción de un País de Salvajes Desnudos”
Serie Caníbal – Capítulo 1

29, 30 y 31 de octubre
20.30 horas
Sala Zavala Muniz – Teatro Solís
Entradas y descuentos

La serie caníbal es una práctica artística donde ejercitamos procedimientos caníbales para digerirnos mutuamente una y otra vez al tiempo que indaga sobre nociones de potencia y autonomía del cuerpo. Un retorno al cuerpo que sabe, un cuerpo salvaje, perverso, brujo, diabólico, incestuoso y bestial.

Este capítulo es el resultado de un gran festín.

Dirección:
Tamara Cubas
En escena:
Santiago Turenne, Rodolfo Opazo, Alina Folini, Vera Garat y Bruno Brandolino
Producción: 
Perro Rabioso
Coproducción:
Campo Abierto
www.perrorabioso.com


América fue construida imaginariamente por el conquistador como una canibalia, tierra de caníbales, un vasto espacio geográfico marcado con la imagen del monstruo americano comedor de carne humana. Los llamados pueblos primitivos, salvajes o bárbaros, siempre colocados en los márgenes de Occidente, son señalados por practicar la abominable costumbre de comerse a otros hombres.

La calificación del canibalismo como la aberración máxima de la condición humana, supone la disolución de los límites entre lo humano y la bestialidad, entre la naturaleza y la cultura; este despreciado hábito, frecuentemente, es asociado a otras perversiones culturales como el incesto, la brujería o la práctica de religiones diabólicas.  

Volver a tener hambre

En las prácticas caníbales se come por hambre del prójimo. 

Los procesos civilizatorios y el capitalismo atroz han llevado a nuestras sociedades a una desidia por el otro. El afán civilizatorio, el neoliberalismo y la delegación al Estado de la organización de lo común en base a la protección de los derechos individuales han anestesiado el deseo del hombre por el hombre. El hombre ha domesticado todo lo vivo, incluso a él mismo. Nos hemos convertido en meros consumidores de objetos, deseos, contenidos y normas.

Estos procesos están llevando paulatinamente a una extinción de lo humano. En nuestra preocupación por nuestra individualidad, estamos tan llenos de nosotros mismos que no hay espacio para digerir al otro. Para sobrevivir como especie humana es preciso comernos los unos a los otros y para volver a comer es necesario hacer espacio, despojarse de toda construcción sobre el otro y sobre lo común para volver a tener hambre.

Acerca de la directora
Tamara Cubas

Licenciada en Artes Plásticas y Visuales, en el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, Universidad de la República (IENBA/UDELAR). Master en Arte y Tecnología en EMMA, Escuela de Artes de Utrech, Holanda y egresada de la escuela de danza contemporánea Contradanza, Montevideo. Es codirectora de Perro Rabioso y desde hace 3 años lleva adelante el programa Campo Abierto en la ciudad de Rivera. Dentro de sus trabajos artísticos recientes se destacan la Trilogía Antropofágica y Multitud. Sus temáticas recurrentes son la Memoria, el Poder, lo Político, el Otro y lo Colectivo valiéndose de diversos formatos para sus propuestas artísticas.

LO LISO Y EL PLIEGUE

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Acercamiento al proceso creativo de
NO ESPECTÁCULO. CONCRETO / Dir. Miguel Jaime

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El niño boquiabierto que contempla
las flores que caen             
es Buda                       

Kubutsu

La habitación se ha quedado sin paredes, y libera en el vacío luminoso un átomo, impersonal y sin embargo singular, que ya no tiene más Sí mismo para distinguirse o confundirse con los demás. Volverse imperceptible es la Vida, sin cesar ni condición, alcanzar el chapoteo cósmico espiritual.

Gilles Deleuze

En el año 2012 Miguel Jaime presenta en el Ciclo Solos al Mediodía de Montevideo –y luego en el Festival Danzalborde de Valparaíso, Chile- un solo de danza contemporánea titulado CONCRETO. Él mismo, haciendo cuerpo de su idea, desplegaba una relación con esa tela que ahora se multiplica por el número de bailarines que componen la escena de NO ESPECTÁCULO. CONCRETO, un título que reafirma aquella premisa intensificándola con una negación rotunda de nuestras expectativas: no venimos al teatro a vivir una ilusión, a entrar en el juego de la representación y la interpretación, sino, más bien, a atender el devenir imperceptible de una obra.

Recordándonos los viejos postulados del Manifiesto del NO de Yvonne Rainer, que dieron comienzo a una nueva danza en los años 60s neoyorquinos, esta propuesta retoma un sentido radical de la creación contemporánea, que exige un vaciamiento hacia adentro y hacia afuera de la obra.

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NO ESPECTÁCULO. CONCRETO / setiembre

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  • 17, 18 y 19 de setiembre
  • 20:30 h
  • Sala Zavala Muniz
  • Teatro Solis
– Es hermoso ser creador, qué don poder crear.
– Si, estoy de acuerdo contigo. No tengo otra opción, digámoslo así.
– No es una elección.
– ¿Por qué debes tener una intención?
¿Por qué no puedes “hacer” simplemente?
Tu intención puede ser simplemente tener la necesidad física de trabajar en tu estudio. Solo quiero transformarme por un periodo corto de tiempo.
– Las formas que creo es con la intención de que la gente cree su propio mito.
– Así que tienes que ser honesto.
– Tienes que tener mucho cuidado con lo que quieres mirar y lo que quieres
escuchar, porque nuestro tiempo aquí es limitado.
Diálogo entre Michael Stipe y Rogan Gregory
Equipo

Dirección
Miguel Jaime
Performers
Mariana Marchesano, Luna Anaïs,
Hernan Duplat, Carolina Besuievsky y María Pintado
Diseño Lumínico y Técnica
Danisa Boyssonade
Diseño Sonoro
Emiliano Aquino
Diseño
Aníbal Conde
Asesor Metodológico
Francisco Bagnara

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El placer de estar en la sensación

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Acercamiento al proceso creador de
PESO. Un ensayo sobre la liviandad
(Dir. Carolina Silveira)

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«Central a la experiencia es la sensación de moverse y ser movido.
Idealmente ambos están presentes en el mismo instante.
Es un momento de total claridad, la integración 
de lo que
estoy haciendo y lo que me está sucediendo»
Mary Whitehouse

En un ensayo al que asistí, tomé estos apuntes: “Cuerpo blando. Poroso. Sensación de interior colectivo. De cuerpo pesando en la tierra. Cuerpo de pie en el espacio. Suelta el peso en la cadera, cae por segmentos. Sobre un hombro. Cuerpo entrelazado a un cuerpo. Multiplicado. Sostenido. Sensación de reírse. De aparecer en otra parte”. 

Desde el comienzo de la obra, la espectadora es invitada a llegar a un estado de sensación, que modulará diferentes intensidades. La exploración de una dimensión interior, ligada a lo sutil e hiperestésico se entrelaza sin oposición, a la composición de un paisaje colectivo en continuo cambio donde aparece el accidente, el desfasaje. Apoyados en una partitura compuesta por  ejercicios para la improvisación, los cuerpos en escena se presentan como pliegues de una misma cualidad sensible, tejen entre sí un espacio corpóreo ubicado entre la vigilia y el sueño, interfaz que amasa lo imaginario con la sensación física y los vuelve indiscernibles. Y la fiesta. Y el juego. La sensación se trabaja por multiplicidades, con el peso y la liviandad como vectores que posibilitan el movimiento de los cuerpos de maneras dinámicas y cambiantes según lo pida la situación, al estar en constante negociación y ajuste. 

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PESO / Dir.: Carolina Silveira

PESO Un ensayo sobre la liviandad
En el seno del proyecto de investigación y creación Danzografías, nació PESO, un guion coreográfico de Victoria Pin que ahora elegimos para aventurarnos en su montaje, a sabiendas de que una obra escénica nunca responde de un modo unívoco a la escritura en el papel, pero con la alegría de partir de esas palabras hacia el universo insondable de los cuerpos en relación.

Una dramaturgia que se pliega amorosamente sobre otra.

Esta puesta es una excusa para ponernos a jugar, explorando nuestros modos más simples de estar juntos, sin el peso del juicio y sin razones de peso.

Que nos queremos cargar entre nosotros, es cierto; que no queremos cargar con las fabulosas categorías inventadas para que vivamos dentro, también.

Y es cierto que nuestro peso corporal nos avisa todo el tiempo que estamos vivos, y que a veces lo sentimos demasiado y, otras, nos extrañamos de no sentirlo.

Pesamos, sopesamos, nos pesamos, humanamente.
Equipo:

Dirección
Carolina Silveira
Guion y asistencia de dirección
Victoria Pin
Diseño lumínico
Bibiana Cabral y Valentina Pérez
Diseño sonoro
Emiliano Aquino
En escena
Antonio Bouza, Carolina Silveira, Emiliano Russo, Federico Reynaud,
Lucía Sismondi, Luna Anaïs, Melisa García y Tatiana Vila.
Producción
Carolina Silveira y Luna Anaïs

Carolina Silveira

Bailarina, docente, creadora e investigadora en danza, ensayista y narradora. Crea y dirige obras de danza desde el año 2003, contándose entre las últimas: Compañía (2010), Garabatos (2011), Quién donde qué ahora (2012), Instantáneas (2013), Tal (2014), Súpernadie (2014), Hubiérase dicho (2016) y Fortuito (2017). Ha investigado el cruce entre danza y literatura a través de diversos proyectos, entre ellos, Danzografías (2018), ganador del FCC 2017, en el que investiga, junto a un grupo de coreógrafos y performers, la inscripción literaria del campo de la escritura coreográfica, con especial énfasis en la figura del guion coreográfico.

Victoria Pin

Bailarina, docente de danza inclusiva, creadora y fisioterapeuta. Crea y dirige En mis zapatos (2013) y Aparejo (2016). Participa como bailarina en Extrema Urgencia (Natalia Coirolo y Martín Inthamoussú, 2003), Riquíssimas! (Lila Nudelman, 2005), La Fruta Bella (Carolina Silveira y Richard Riveiro, 2006), Bajo la Cruz del Sur (Sergio Luján, 2006), El Príncipe (Carolina Silveira, 2008). Ha realizado performances de improvisación con el grupo de investigación en DanceAbility. Fue asistente de dirección de las obras Haga lo que haga y Compañía (Carolina Silveira), y participó del proyecto Danzografías como coreógrafa y dramaturga (2018).

Lo sin fondo del Ser

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Acercamiento al proceso creativo de NEGARLO TODO / Dir. Florencia Martinelli (por Carolina Silveira)

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“Bajo” el mundo de la representación, gruñe y jamás ha dejado de gruñir, lo sin fondo, el mundo de las diferencias libres y no conectadas. No es la historia de un “olvido”, sino de una desnaturalización de la diferencia, de una conjuración activa de sus potencias, confundidas con las del caos. No se ha olvidado la diferencia, sino que solamente se la ha pensado mediatizada, sometida, encadenada, en suma fundada.

David Lapoujade

 

De un tiempo a esta parte, el trabajo de Martinelli se ha centrado en la reformulación de algunos residuos insistentes de sus obras anteriores, creando entre ellas una circularidad que podríamos llamar “sin fundamento”, ya que no se trata de volver sobre ningún tema para afirmar ninguna posición, sino más bien de observar las afectaciones que ciertos pasajes de una obra o proceso imprimen en la creadora y disparan sus próximas investigaciones, siempre en un camino de reducción –porque se toma un aspecto pequeño de lo antes explorado- y desborde –porque se lo expande ilimitadamente- , en el que la premisa minimalista –“menos es más”- se hace sentir.

Sin poder afirmar dónde comienza exactamente este proceso, podemos observar que de Las cosas se rompen (pieza colectiva presentada en este ciclo en 2013) nacen tanto Maraña (solo presentado en Solos al mediodía, 2014 ) como Una maraña insistente (trabajo grupal realizado en el INAE y en el CCE, 2015); que esa maraña grupal (una masa de personas encadenadas que avanza en diferentes territorios) continúa en movimiento en Bordeando lo imposible (versión escénica, 2016) y transmuta en una pieza objetual en Llenarlo todo. Bordeando lo imposible (instalación presentada en el EAC, donde muchos objetos –sin coherencias o categorías que los relacionen- se apiñan intentando acabar con el espacio, 2017), que a la vez se encuentra en una fuerte relación titular con la pieza que nos ocupa, donde ya no es la maraña de cuerpos que continúa su trayectoria, ni la de objetos que se agolpan en un cuarto, sino una maraña de voces que comenzó en Bordeando lo imposible multiplicada en muchos “yo”: “Yo tengo…”, “Yo vengo…”, “Yo seré…”, “Yo estuve…”, “Yo inventé…” y los del ser y el no ser, los ontológicos diríamos, que finalmente serán los que regresen para intensificarse.
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Negarlo todo

Negarlo Todo Concierto de un solo tema

  • 11, 12 y 13 de junio 
  • 20:30 horas
  • Sala Zavala Muniz / Teatro Solís
  • Yo No soy artista.Yo No soy una palabra. Yo No soy lo que significo.Yo No soy mujer.Yo No soy tu padre.Yo No soy un grumo.Yo No soy una tijera. Yo No soy un refugiado en la frontera .Yo No soy un muerto en el mar. Yo No soy presidenta. Yo No soy hombre. Yo No soy quien fui. Yo No soy uruguaya. Yo No soy marroquí. Yo No soy un pájaro.Yo No soy una araña arrinconada.Yo No soy una mujer desesperada.Yo No soy un discurso. Yo No soy tuyo. Yo No soy una nuez.Yo No soy un robot. Yo No soy brasilero. Yo No soy laica, gratuita y obligatoria. Yo No soy tu madre.Yo No soy un pliegue.Yo No soy lo mejor. Yo No soy interesante.Yo No soy una cuestión ética y moral a discutir.Yo No soy lo peor. Yo No soy una ameba. Yo No soy una cruz. Yo No soy amable. Yo No soy tu.Yo No soy autora. Yo No soy quien puede ser. Yo No soy celeste, no soy celeste, no soy.Yo No soy Casavalle. Yo No soy madre.Yo No soy hijo. Yo No soy una mesa. Yo No soy tu cosa.Yo No soy húmeda. Yo No soy genial.Yo No soy una piedra. Yo No soy un árbol.Yo No soy inteligente.Yo No soy un hombre intervenido.Yo No soy ansioso.Yo No soy un agujero. Yo No soy una bolsa en el mar.Yo No soy gerente. Yo No soy venezolana.Yo No soy arena.Yo No soy lo más. Yo No soy una estrella. Yo No soy de tirar manteca al techo.Yo No soy tu amante.Yo no soy de Tacuarembó. Yo No soy un perro.Yo No soy quien seré.Yo No soy quien tu quieres que sea. Yo No soy de Aguas Corrientes.Yo No soy bióloga. Yo no soy así. Yo No soy un cactus. Yo No soy áspero.Yo No soy una ráfaga.Yo No soy un pastel. Yo No soy el asadito del domingo.Yo No soy albañil. Yo No soy quien te ama. Yo No soy angoleña. Yo No soy el mar. Yo No soy una nuez. Yo No soy una web…

    Negarlo todo realizó un proceso de creación en residencia en el Teatro Pradillo de Madrid junto a Leticia Skrycky, Alina Folini y Julian Pacomio, enero 2019 y desarrolló una residencia en el CCE de Montevideo en febrero 2019. Negarlo todo deviene de una obra previa Bordeando lo imposible, agradecemos entonces el aporte de su elenco y especialmente a Ainhoa Hernández.

    También agradecemos la colaboración de Laura Ramírez y Luna Anais en la participación en NIDO 2018.

    Negarlo todo se ha realizado con el apoyo del FEFCA. Premio Zavala Justino Muniz. MEC recibido por Florencia Martinelli, 2018.

Equipo

Concepto y dirección:
Florencia Martinelli
Creación y perfomance:
Vera Garat, Florencia Martinelli,
Santiago Rodríguez Tricot, Natalia Viroga.
Diseño escénico:
Santiago Rodríguez Tricot
Asistencia de dirección + difusión:
Luna Anais.
Colaboración:
Félix Marchand.
Agradecimientos:
FAC Fundación de Arte Contemporáneo
GEN
NIDO
Paula Giuria