DESPUÉS DE LA EXTINCIÓN

10, 11 y 12 de julio
20:30 hrs.
Sala Zavala Muniz
Teatro Solis
Entradas y descuentos

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El estado de latencia es un período donde se aquieta el movimiento.
No todo se logra ver y aún así se gesta el caldo de la vida.
Allí no se podrá nunca dejar de existir.
Nunca, nada
Nada, nunca.

Se despertaron en aquel lugar húmedos y perturbados.
Flotaron en el humedal, se chocaron contra los camalotes procurando que sus pelos se amarraran a las raíces del bioma. Comenzaron a hundir sus narices en el barro así como se hunde el viento en la ingravidez del espacio. Buscaron las condiciones para permanecer sabiendo que la naturaleza seleccionará su devenir.

Están mojados, el espacio es cálido y las paredes de barro que los rodean están mezcladas con el pasto de lo que eras atrás fue campo natural.
Es la noche en la que se despiertan tras un letargo prolongado. Se tocan, se miran, se levantan y comprenden que si bien son consecuencia de millones de años de tormentas, aun así siguen manteniendo la belleza.

Equipo:

Bindritsch, L. 1,3,4, Boyssonade, D. 5, Cawen, L. 1,2,4,  Fernández, C. 3, Hazan, N. 4, Lussheimer, C. 3, Roselló, P. 3, Outeda, L. 4 , Pazos, L. 3, Peña,D. 2, Somma, A. 3, Stagnaro, V. 3  

1. Idea y gestación
2. Creación sonora in vitro y sonido in vivo
3. Grupo de investigación somática
4. Diseño espacial
5. Diseño lumínico

Acerca de los directores:

Luciana Bindritsch es artista escénica y bióloga especializada en ecología. Se crió en Salinas, vivía muy cerca de la playa y pasaba gran parte del tiempo afuera en contacto con la naturaleza. Quizás ésto fue lo que hizo que estudiara ciencia y arte a la vez. En ésta obra se atreve a poetizar conceptos de la ciencia invitando a pensar en la naturaleza como una fuerza que nos permite existir pero nos obliga a ser conscientes de las huellas que dejamos en el camino.

Leandro Cawen es licenciado en artes plásticas y visuales. Avocado a la creación musical y lírica, se sumerge en ésta instancia a crear desde la experimentación en los distintos lenguajes de la escena.
Después de la Extinción es para él una auto-convocatoria a la desconstrucción de sus medios y formas de creación así como una invitación a traducir conceptos concretos en expresiones poéticas.

UMBRAL / Acerca del proceso creativo

Danza desautorizada

Acercamiento al proceso creativo de UMBRAL
Dir. Eugenia Silveira Chirimini  / Proyecto Campo Híbrido

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Cualquiera puede empezar a bailar hip hop.
No precisa de una 
formación.
No precisa de alguien que lo autorice.

Brendon Miranda

La “cultura hip hop” o “cultura urbana” (los términos se usan indistintamente) tiene su origen en Estados Unidos en la década del 70, y es, por excelencia, un campo híbrido de desarrollo. Los jóvenes afroamericanos e hispanos que dan comienzo al movimiento, así como todas las comunidades que surgen de su expansión internacional, conciben en sus prácticas un pensamiento transdisciplinar que posibilita la reunión de expresiones dancísticas, musicales, literarias y plásticas sin subrayar las fronteras disciplinares. El graffitti, el rap, el beatboxing, el break, el house, el vogue, y otro número indeterminable de manifestaciones, van consolidando a lo largo del tiempo una subcultura artística que en cada contexto dialoga en forma diferenciada con el mainstream o la cultura hegemónica.

Los pibes bailan lo que ven en youtube o lo que les muestra el de al lado, cantan con unas reglas que ellos mismos se ponen, escriben y dibujan en las paredes, libran batallas con sus habilidades, se exhiben, buscan el éxito personal dentro de esa comunidad. Pero también tienen consciencia de grupo, de comunidad marginal y de las batallas a librar con la Institución del Arte. Y a medida que la cultura oficial o el mercado les ofrece fagocitarlos, se preguntan por lo académico, por su profesionalización, por la preservación de su identidad o la creación de nuevas institucionalidades.

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UMBRAL / 22, 23 y 24 de mayo

UMBRAL
Dir. Eugenia Silveira
22, 23 y 24 de mayo
20.30 horas
Sala Zavala Muniz – Teatro Solís

Un cruce entre la cultura hip hop y la danza contemporánea, entre universos geográficos, generacionales y culturales. El elenco está integrado por jóvenes bailarines fronterizos de Uruguay y Brasil que partiendo de las danzas urbanas, se desplazan hacia nuevos territorios y estados físicos.
Un espectáculo con una fuerte descarga de energía en baile, música y rimas producidos en tiempo presente por los propios performers en escena.

Dirección: Eugenia Silveira 

Elenco: Valeria Fontes, Gustavo Almeida, Estéfano Farías, Gabriela Suman, Miguel Fontes, Brendon Miranda. 

Concepción Sonora: Francisco Lapetina 

Iluminación: Santiago Tricot 

Producción artística: Tamara Cubas 

Producción: Campo Abierto 

Apoya: INAE, INJU, Velódromo de Montevideo e IMR

Campo Abierto es una plataforma dedicada a estimular y promover la práctica y el pensamiento creativo en diversas áreas del conocimiento como la educación, la cultura, el arte y la tecnología. Procura poner estos conocimientos en relación con necesidades y problemáticas sociales con la idea de generar prototipos innovadores que favorezcan el desarrollo social.

Obras 2018

Aquí presentamos los proyectos y equipos
que nos acompañarán este 2018.

Ver / Descargar

En breve, compartiremos la información completa de cada obra.

“En los últimos años el caudal de propuestas que se vienen presentando crece en cantidad y diversidad. Este año se presentaron más de 30 proyectos interesados en los cruces entre disciplinas artísticas, lenguajes escénicos y estilos de danza.” Carolina Besuievsky – Curadora

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Acerca de FLICKER

Oscilaciones coreográficas

Acercamiento al proceso creativo de FLICKER / Dir. Magdalena Leite y Aníbal Conde.

El proyecto de escritura de textos de acercamiento a los procesos creativos de las piezas que se presentan en el Ciclo Montevideo Danza 2017, se realiza gracias al apoyo del Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE).

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Lo que el arte tiene en común con la lógica y las matemáticas es el hecho de que se trata de una tautología; esto es, la “idea del arte” (u “obra”) y el arte son lo mismo, y pueden apreciarse como  arte sin tener que salirse del contexto del arte para su  verificación.
Joseph Kosuth

Los creadores de FLICKER son uruguayos radicados en México, cuyo trabajo escénico y  audiovisual se viene presentando frecuentemente en Montevideo, permitiéndonos acceder a  la trayectoria de un proceso colaborativo sin interrupciones, en el que cada propuesta nace de algún modo de la anterior y todas vinculan, de manera más o menos explícita, los campos de la danza y el cine, de los que estos artistas provienen. Continuar leyendo “Acerca de FLICKER”

en diciembre: FLICKER

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FLICKER
Magdalena Leite – Anibal Conde
5, 6 y 7 de diciembre
20:30 hrs.
Sala Zavala Muniz – Teatro Solís

> Entradas / Descuentos

Acción escénica de 50 minutos inspirada en la noción de flicker o
parpadeo proveniente del cine experimental.

Obra creada en residencia en La Casa Encendida y el CA2M en Madrid 2017.

De y con:
Aníbal Conde & Magdalena Leite
Diseño de iluminación:
Jésica Elizondo

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Acerca de “AL ALIMÓN”

Cuando vuelvas a verme, no seré yo

Acercamiento al proceso creativo de AL ALIMÓN / Dir. Paula Giuria y Lucía Yáñez

El proyecto de escritura de textos de acercamiento a los procesos creativos de las piezas que se presentan en el Ciclo Montevideo Danza 2017, se realiza gracias al apoyo del Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE).

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Al alimón, al alimón, que se rompió la fuente /
Al alimón, al alimón, volverla a componer /
Hurrí, hurrí, hurrá La reina va a pasar

Canto popular puertorriqueño

“Al alimón” es una locución adverbial que significa “a la vez”, “conjuntamente”, “hecho entre dos personas en colaboración”, raramente utilizada hoy en día, que tuvo lugar en otras épocas en discursos jurídicos y literarios, pero que, al indagar en sus usos más comunes, aparece sobre todo como el nombre de un antiguo juego infantil muy popular en España y versionado en todos los países de habla hispana, que conjuga un canto iniciado con esa expresión repetida dos veces y una coreografía en la que los niños, enfrentados en dos bandos, se toman de las manos y avanzan y retroceden a la vez. En Puerto Rico es un juego exclusivamente de niñas, y el canto tiene la letra que hace de epígrafe a este texto.

Es a la vez desde el deseo de continuar una colaboración artística entre Giuria y Yánez que se iniciara en 2012 durante el proceso creativo de la obra Me Sitio y se consolidara luego con la creación de las obras Llévame al lugar donde estuvimos antes (2015) y Apto – Notas al movimiento que viaja (2017), y desde esa inscripción infantil en la que confluyen las fantasías de dos mujeres maduras que recuerdan una infancia común -atravesada por la magia de la televisión ya netamente popularizada-, que se concibe esta pieza anclada en el universo Netflix como referencia primordial y abarcativa de la cultura pop de nuestros días.

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