PESO / Dir.: Carolina Silveira

PESO Un ensayo sobre la liviandad
En el seno del proyecto de investigación y creación Danzografías, nació PESO, un guion coreográfico de Victoria Pin que ahora elegimos para aventurarnos en su montaje, a sabiendas de que una obra escénica nunca responde de un modo unívoco a la escritura en el papel, pero con la alegría de partir de esas palabras hacia el universo insondable de los cuerpos en relación.

Una dramaturgia que se pliega amorosamente sobre otra.

Esta puesta es una excusa para ponernos a jugar, explorando nuestros modos más simples de estar juntos, sin el peso del juicio y sin razones de peso.

Que nos queremos cargar entre nosotros, es cierto; que no queremos cargar con las fabulosas categorías inventadas para que vivamos dentro, también.

Y es cierto que nuestro peso corporal nos avisa todo el tiempo que estamos vivos, y que a veces lo sentimos demasiado y, otras, nos extrañamos de no sentirlo.

Pesamos, sopesamos, nos pesamos, humanamente.
Equipo:

Dirección
Carolina Silveira
Guion y asistencia de dirección
Victoria Pin
Diseño lumínico
Bibiana Cabral y Valentina Pérez
Diseño sonoro
Emiliano Aquino
En escena
Antonio Bouza, Carolina Silveira, Emiliano Russo, Federico Reynaud,
Lucía Sismondi, Luna Anaïs, Melisa García y Tatiana Vila.
Producción
Carolina Silveira y Luna Anaïs

Carolina Silveira

Bailarina, docente, creadora e investigadora en danza, ensayista y narradora. Crea y dirige obras de danza desde el año 2003, contándose entre las últimas: Compañía (2010), Garabatos (2011), Quién donde qué ahora (2012), Instantáneas (2013), Tal (2014), Súpernadie (2014), Hubiérase dicho (2016) y Fortuito (2017). Ha investigado el cruce entre danza y literatura a través de diversos proyectos, entre ellos, Danzografías (2018), ganador del FCC 2017, en el que investiga, junto a un grupo de coreógrafos y performers, la inscripción literaria del campo de la escritura coreográfica, con especial énfasis en la figura del guion coreográfico.

Victoria Pin

Bailarina, docente de danza inclusiva, creadora y fisioterapeuta. Crea y dirige En mis zapatos (2013) y Aparejo (2016). Participa como bailarina en Extrema Urgencia (Natalia Coirolo y Martín Inthamoussú, 2003), Riquíssimas! (Lila Nudelman, 2005), La Fruta Bella (Carolina Silveira y Richard Riveiro, 2006), Bajo la Cruz del Sur (Sergio Luján, 2006), El Príncipe (Carolina Silveira, 2008). Ha realizado performances de improvisación con el grupo de investigación en DanceAbility. Fue asistente de dirección de las obras Haga lo que haga y Compañía (Carolina Silveira), y participó del proyecto Danzografías como coreógrafa y dramaturga (2018).

Lo sin fondo del Ser

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Acercamiento al proceso creativo de NEGARLO TODO / Dir. Florencia Martinelli (por Carolina Silveira)

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“Bajo” el mundo de la representación, gruñe y jamás ha dejado de gruñir, lo sin fondo, el mundo de las diferencias libres y no conectadas. No es la historia de un “olvido”, sino de una desnaturalización de la diferencia, de una conjuración activa de sus potencias, confundidas con las del caos. No se ha olvidado la diferencia, sino que solamente se la ha pensado mediatizada, sometida, encadenada, en suma fundada.

David Lapoujade

 

De un tiempo a esta parte, el trabajo de Martinelli se ha centrado en la reformulación de algunos residuos insistentes de sus obras anteriores, creando entre ellas una circularidad que podríamos llamar “sin fundamento”, ya que no se trata de volver sobre ningún tema para afirmar ninguna posición, sino más bien de observar las afectaciones que ciertos pasajes de una obra o proceso imprimen en la creadora y disparan sus próximas investigaciones, siempre en un camino de reducción –porque se toma un aspecto pequeño de lo antes explorado- y desborde –porque se lo expande ilimitadamente- , en el que la premisa minimalista –“menos es más”- se hace sentir.

Sin poder afirmar dónde comienza exactamente este proceso, podemos observar que de Las cosas se rompen (pieza colectiva presentada en este ciclo en 2013) nacen tanto Maraña (solo presentado en Solos al mediodía, 2014 ) como Una maraña insistente (trabajo grupal realizado en el INAE y en el CCE, 2015); que esa maraña grupal (una masa de personas encadenadas que avanza en diferentes territorios) continúa en movimiento en Bordeando lo imposible (versión escénica, 2016) y transmuta en una pieza objetual en Llenarlo todo. Bordeando lo imposible (instalación presentada en el EAC, donde muchos objetos –sin coherencias o categorías que los relacionen- se apiñan intentando acabar con el espacio, 2017), que a la vez se encuentra en una fuerte relación titular con la pieza que nos ocupa, donde ya no es la maraña de cuerpos que continúa su trayectoria, ni la de objetos que se agolpan en un cuarto, sino una maraña de voces que comenzó en Bordeando lo imposible multiplicada en muchos “yo”: “Yo tengo…”, “Yo vengo…”, “Yo seré…”, “Yo estuve…”, “Yo inventé…” y los del ser y el no ser, los ontológicos diríamos, que finalmente serán los que regresen para intensificarse.
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Negarlo todo

Negarlo Todo Concierto de un solo tema

  • 11, 12 y 13 de junio 
  • 20:30 horas
  • Sala Zavala Muniz / Teatro Solís
  • Yo No soy artista.Yo No soy una palabra. Yo No soy lo que significo.Yo No soy mujer.Yo No soy tu padre.Yo No soy un grumo.Yo No soy una tijera. Yo No soy un refugiado en la frontera .Yo No soy un muerto en el mar. Yo No soy presidenta. Yo No soy hombre. Yo No soy quien fui. Yo No soy uruguaya. Yo No soy marroquí. Yo No soy un pájaro.Yo No soy una araña arrinconada.Yo No soy una mujer desesperada.Yo No soy un discurso. Yo No soy tuyo. Yo No soy una nuez.Yo No soy un robot. Yo No soy brasilero. Yo No soy laica, gratuita y obligatoria. Yo No soy tu madre.Yo No soy un pliegue.Yo No soy lo mejor. Yo No soy interesante.Yo No soy una cuestión ética y moral a discutir.Yo No soy lo peor. Yo No soy una ameba. Yo No soy una cruz. Yo No soy amable. Yo No soy tu.Yo No soy autora. Yo No soy quien puede ser. Yo No soy celeste, no soy celeste, no soy.Yo No soy Casavalle. Yo No soy madre.Yo No soy hijo. Yo No soy una mesa. Yo No soy tu cosa.Yo No soy húmeda. Yo No soy genial.Yo No soy una piedra. Yo No soy un árbol.Yo No soy inteligente.Yo No soy un hombre intervenido.Yo No soy ansioso.Yo No soy un agujero. Yo No soy una bolsa en el mar.Yo No soy gerente. Yo No soy venezolana.Yo No soy arena.Yo No soy lo más. Yo No soy una estrella. Yo No soy de tirar manteca al techo.Yo No soy tu amante.Yo no soy de Tacuarembó. Yo No soy un perro.Yo No soy quien seré.Yo No soy quien tu quieres que sea. Yo No soy de Aguas Corrientes.Yo No soy bióloga. Yo no soy así. Yo No soy un cactus. Yo No soy áspero.Yo No soy una ráfaga.Yo No soy un pastel. Yo No soy el asadito del domingo.Yo No soy albañil. Yo No soy quien te ama. Yo No soy angoleña. Yo No soy el mar. Yo No soy una nuez. Yo No soy una web…

    Negarlo todo realizó un proceso de creación en residencia en el Teatro Pradillo de Madrid junto a Leticia Skrycky, Alina Folini y Julian Pacomio, enero 2019 y desarrolló una residencia en el CCE de Montevideo en febrero 2019. Negarlo todo deviene de una obra previa Bordeando lo imposible, agradecemos entonces el aporte de su elenco y especialmente a Ainhoa Hernández.

    También agradecemos la colaboración de Laura Ramírez y Luna Anais en la participación en NIDO 2018.

    Negarlo todo se ha realizado con el apoyo del FEFCA. Premio Zavala Justino Muniz. MEC recibido por Florencia Martinelli, 2018.

Equipo

Concepto y dirección:
Florencia Martinelli
Creación y perfomance:
Vera Garat, Florencia Martinelli,
Santiago Rodríguez Tricot, Natalia Viroga.
Diseño escénico:
Santiago Rodríguez Tricot
Asistencia de dirección + difusión:
Luna Anais.
Colaboración:
Félix Marchand.
Agradecimientos:
FAC Fundación de Arte Contemporáneo
GEN
NIDO
Paula Giuria

La alegría del ser

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Acercamiento al proceso creativo de ENJAMBRE
Proyecto Tráfico / Dir. Fabián Santarciel de la Quintana

 

La sociedad futura, en su organización, deberá contar con un nuevo poder, a saber, con el poder de las masas.
Por causa de la resolución y firmeza voluntaria, [la masa] es susceptible de un nosotros, de la acción común, que es capaz de atacar las relaciones existentes de dominación.

Buyn Chul Han

En 2012 nace el Proyecto Tráfico. Bajo la iniciativa de Fabián Santarciel en diálogo con artistas locales, este proyecto propone un puente artístico entre Uruguay y los Países Bajos, que ha generado desde entonces un intercambio cultural fructífero del que ENJAMBRE es la sexta producción escénica (2012: Inocente; 2013-2014: Rebel, Minutas; 2015: Us, No Literal) y la primera que, comenzando en Ámsterdam, finaliza en Montevideo, contando con la presencia de los artistas uruguayos y europeos desde el comienzo del proceso.

El antecedente más directo de esta obra es el proceso de creación de la pieza One (2009, Ámsterdam), donde doce intérpretes exploran la relación individuo-colectivo. ENJAMBRE redimensiona esta exploración convocando a más de treinta intérpretes en la escena, buscando un lenguaje “más abstracto, brutal y crudo”, en palabras del director, y como el inicio de una cadena productiva que continúe en diferentes ciudades y con artistas diversos, incluida una versión con performers de la “tercera edad”.

El título proviene del libro “En el enjambre” del filósofo surcoreano Buyn Chul Han, que analiza las diferencias entre la “masa clásica” y una nueva masa a la que llama “el enjambre digital”, y propone pensar las posibilidades políticas de una masa empoderada que, en consonancia con el concepto de “multitud” de los filósofos Michael Hardt y Antonio Negri, se erija como una clave para la emancipación del hombre contemporáneo.

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ENJAMBRE / 4, 5 y 6 de diciembre

Dir.: Fabián Santarciel de la Quintana
4, 5 y 6 de diciembre

20.30 horas
Sala Zavala Muniz – Teatro Solís

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El hombre natural: cuando no había sido sometido a la artificialidad de la cultura, la sociedad y la educación, este hombre natural era puro instinto, ajeno a la depravación del pensamiento. No conocía la propiedad ya que ésta surgió de lo no-natural como la industria, las necesidades superfluas y de las ideas. Tampoco sabía de egoísmos, de guerras, de esclavitud, de vicios ni de afectos de ninguna clase dado que todo esto sólo surge de la aculturación, es decir de la alienación sociológica.

Jean Jacques Rousseau

Enjambre es un trabajo urgente, poético y desnudo. Es una experiencia corporal y visual que llega al espectador de manera cruda, salvaje y sensible. Un atentado colectivo a reflejar nuestra identidad animal. Este enjambre-aglomerado de seres humanos es una (posible) visión de lo que somos: un pasado y un presente conjunto, millones de años de segregaciones corporales, conjunciones, excrecencias, humores vitales, que se reproducen y se extinguen, ciclo a ciclo, por siempre. Un ritual milenario arraigado en nuestros cuerpos.


Idea y creación
Fabián Santarciel de la Quintana/ Tráfico (UY/NL)

Núcleo co-creador
Matteo Bifulco (IT/NL) / Nick Deroo (BE/NL) / Melisa Garcia Lueches (UY) / Cecilia Lussheimer (UY) / Julieta Malaneschii (UY) / Kim Verbeke (BE/NL) / Erik van de Wijdeven (NL)

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El crimen imperfecto

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Acercamiento al proceso creativo de EN LA SOMBRA DE UN ELEFANTE
(Cía. LUPITA PULPO / Dir. Ayara Hernández Holz)

La ausencia de las cosas por sí mismas, el hecho de que no se produzcan a pesar de lo que parezca, el hecho de que todo se esconda
detrás de su propia apariencia y que, por tanto, no sea jamás idéntico a sí mismo, es la ilusión material del mundo. Y ésta sigue siendo, en el fondo, el gran enigma, el que nos sume en el terror y del que nos protegemos con la ilusión formal de la verdad.
So pena de aterrorizarnos, tenemos que descifrar el mundo, y aniquilar, por tanto, su ilusión primera. No soportamos el vacío, ni el secreto, ni la apariencia pura. ¿Y por qué tenemos que descifrarlo, en lugar de dejar que irradie su ilusión como tal, en todo su esplendor? Pues bien, también eso es un enigma, y forma parte del enigma que no podamos soportar su carácter enigmático. Que no podamos soportar su ilusión ni su apariencia pura forma parte del mundo. Tampoco soportaríamos mejor, si tuviera que existir, su verdad
radical y su transparencia.

Jean Baudrillard (El crimen perfecto)

La compañía LUPITA PULPO, cuyo núcleo central está integrado por la uruguaya Ayara Hernández Holz y el alemán Felix Marchand, ha presentado su trabajo en Europa y Latinoamérica desde el año 2002. Actualmente, está radicada en Uruguay y cuenta para sus proyectos con la colaboración de artistas locales (Érika del Pino y Chiara Hourcade comparten con ellos la creación y la escena de EN LA SOMBRA…), modalidad que no estrena con esta obra, sino que continúa un proceso de intercambio que data de sus inicios.

Sus últimas producciones se entrelazan intertextualmente en la búsqueda de un lenguaje que dé cuenta del juego escénico como un diálogo complejo entre realidades y apariencias, rostros y máscaras, revelaciones y secretos.

Para darle espesor a este juego, los creadores han recurrido, por un lado, a lo que podríamos llamar un sentido “ecológico” de la creación: las obras pueden entenderse como residuales respecto de otras en un juego de cajas chinas en el que jamás podremos llegar a la última, en el que lo original no es más que otro simulacro. Este aspecto se desarrolla en diferentes direcciones, tomando como excusa y puntapié para la creación obras de otros tiempos y autores, obras propias precedentes, recuerdos de obras narrados por espectadores, etc., para dar continuidad a un proyecto de “documentación orgánica”, como lo llama Hernández, en el que los trabajos artísticos se presentan dentro de series infinitas potenciando una poética de afectaciones múltiples.

Por otro lado, el recurso a una exploración intuitiva sobre otras disciplinas, como es el caso del cine en esta obra, les ha abierto un campo creativo inusual, que produce una estética particularmente híbrida a partir de la conquista que supone la libertad de no saber, es decir, de no poder dar cuenta de un conocimiento acabado de la práctica cinematográfica, sino de un acercamiento lúdico e irreverente a parte de su historia y procedimientos.

“¿Cómo hacer un falso documental de una obra escénica en vivo?” fue la pregunta que tituló el laboratorio de experimentación que llevaron a cabo en el Instituto Nacional de Artes Escénicas mediante la Convocatoria Anual, como parte del proceso creativo de la pieza. Si bien EN LA SOMBRA DE UN ELEFANTE desplaza la idea de documental por la de una realización audiovisual de características menos categóricas, continúa pulsando la fuerza de un dispositivo escénico destinado a crear apariencias, ficciones, falsedades para ser contempladas como “verdades” en otro soporte, pero que al mismo tiempo no podemos dejar de ver como realidades en tiempo presente, como performatividades que sostienen un aquí y ahora perceptible, innegable.

El cine llega fundamentalmente a través de algunos recursos utilizados en la primera mitad del siglo XX, cuya recreación se presenta como más apta para la realización escénica y que nos introducen lúdicamente en aquella “magia del cine”, de alguna manera perdida y reencontrada. Como una influencia dentro del arte contemporáneo, los directores citan al cineasta tailandés Apichatpong Weerasethakul, cuyos trabajos -en consonancia con muchos aspectos de esta obra, y a veces a caballo entre el cine y la instalación-, recurren a los telones pintados, a la revelación parcial de los sets de filmación y a la fantasmagoría.

“Entre lo que se muestra, lo que se esconde y lo que está a punto de aparecer” se desarrolla -en palabras de los artistas- el juego de esta obra que se nos presenta como una invitación a disfrutar el mundo sin descifrarlo, a vivir en sus detalles, a dejarnos captar por las imágenes y sus reflejos sin determinar un sentido último de la verdad material, pero en la libertad de elegir, para cada uno, la mentira más placentera, y con el tiempo para preguntarnos acerca de esas decisiones que van tomando nuestros sentidos, cuando todo está fatalmente oculto y a la vista al mismo tiempo.

“Behind your eyes” (detrás de tus ojos) fue el título provisorio que llevó la obra antes de tomar el actual. En él se aludía -por oposición- al recurso contrario que consiste en poner todo “delante de nuestros ojos”, advirtiéndonos sobre esa ilusión de transparencia, ya que podríamos pensar -junto con la obra- que todo lo que se ve o percibe supone -necesaria e irreductiblemente- un mundo invisible, imperceptible, incluso inimaginable, y por eso mismo, perfectamente recreable o plausible de ser inventado y reinventado a piaccere y ad infinitum.

La obra nos permite componer un mundo abierto con “lo que hay en lo que hay”, moviendo la percepción hacia una zona de misterio que a la vez es un fake, muestra su torpeza, como si los trucos fueran hechos por un mago borracho al final de una fiesta.

Entre todo lo que es y no es al mismo tiempo, se erige una poesía de la escena, de la pantalla, y de la rememoración como creadores de mundo. Los cuerpos atraviesan una infinidad de juegos de escala que, como en la película El increíble hombre menguante (1957), nos zambullen en un viaje gulliveriano, confrontándonos con la pregunta por el ser de las cosas y los hombres, no ya con el fin de encontrar una respuesta, sino por el contrario, intentando alejarnos de lo que Baudrillard llama “el destino fatal de un mundo objetivo”, ese “crimen perfecto” que sería la realidad si no la traicionaran sus apariencias. Siguiendo, tal vez, al filósofo en su sentencia: “La proliferación de la realidad, como una especie animal de la que se habrían eliminado los predadores naturales, constituye nuestra auténtica catástrofe”.

Carolina Silveira