Autor: ciclo

Constelaciones aleatorias de A a Z:
notas sobre improvisación-composición y escritura en Fortuito.

El proyecto de escritura de textos de acercamiento a los procesos creativos de las piezas que se presentan en el Ciclo Montevideo Danza 2017, se realiza gracias al apoyo del Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE).

«El cuerpo» es donde se pierde pie.
Jean-Luc Nancy

Para dialogar con Fortuito es preciso concebir el proceso creativo como un juego con pautas que permiten que se propongan y se instalen ciertas dinámicas. Como en un juego de dados en el que, para poder jugar, aceptamos las reglas, quedando disponibles para tomar lo que surja en la tirada.

El proceso de composición de este juego, como suele suceder en toda producción teatral, envuelve momentos dedicados al cuidado de aspectos interrelacionados como la selección del equipo, la planificación de los ensayos, la definición de la estructura dramatúrgica, del diseño de luz, del vestuario, etc.  Las singularidades de estos quehaceres van estableciendo paulatinamente la trama coreográfica y deshaciendo la posibilidad de determinar dónde comienzan o terminan cada uno de estos tiempos conexos. La única certeza es que estos cuidados cobran sentido y se materializan en el devenir del juego.

Esta multiplicidad espacio-temporal es clave para pensar la creación porque la composición coreográfica no es afectada únicamente por lo que sucede antes del estreno, sino también por las experiencias previas y por las inquietudes puestas en juego en las funciones y en sus prolongamientos. Es en la coexistencia de esos tiempos que la obra artística se produce a través de las actualizaciones que la modulan y la potencian.

Una instancia relevante para el proceso de Fortuito fue la reunión del equipo de trabajo. La convocatoria para el laboratorio de creación (realizado en marzo en Taller Casarrodante) a partir del cual se constituyó el grupo de colaboradores, apuntaba fundamentalmente a la «colectivización de inquietudes en el campo de la composición escénica». El laboratorio, tal como estaba planteado, establecía un contexto de trabajo para una comunidad heterogénea dispuesta a «atravesar un proceso continuo de experimentación y creación hasta la presentación de una obra escénica».

Las pautas de participación, en su dimensión formal, eran muy claras para los aspirantes (se les informaba el lugar, los días y los horarios de los ensayos hasta el estreno de la obra), a la vez que se les requería entregarse a la incertidumbre, disponiéndose a un proceso de co-creación inmanente a partir de las dinámicas de improvisación-composición planteadas por Carolina Silveira.

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REVER de Colectivo Naan y dirección de Natalia Burgueño
se presentó el 1, 2 y 3 de agosto.

Fotografía: Paola Nande

> Sobre REVER

Acercamiento al proceso creativo de REVER
(Colectivo NAAN / Dir. Natalia Burgueño)

El proyecto de escritura de textos de acercamiento a los procesos creativos de las piezas que se presentan en el Ciclo Montevideo Danza 2017, se realiza gracias al apoyo del Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE).

Un espejo no es una cosa creada sino nacida. No son necesarios muchos para obtener la mina centelleante y sonámbula y uno refleja el reflejo de lo que otro reflejó, con un temblor que se transmite como un mensaje telegráfico intenso y mudo, insistente, una liquidez en la que se puede sumergir la mano fascinada y retirarla chorreando reflejos de esa dura agua que es el espejo. (…) Su forma no importa, ninguna forma consigue circunscribirlo y alterarlo. El espejo es luz. Un pedazo pequeño de espejo es siempre todo el espejo. (…) Quien mira un espejo, quien consigue verlo sin verse, quien entiende que su profundidad consiste en ser vacío, ese alguien ha entendido entonces su misterio.

Clarice Lispector

Siendo parte del Programa de Residencias Casarrodante y habiendo iniciado la investigación con el apoyo del Programa PAR de Residencias Nacionales, REVER es el resultado de un proceso que comenzó en 2016 y que hasta cierto punto puede comprenderse en continuidad con el proceso que dio en la obra PLUG, de la misma creadora en diálogo con otros artistas, que integró el Ciclo en su edición anterior. En ambas propuestas hay un interés en repensar la presencia humana en el escenario, sometiéndola a un diálogo intenso con otras realidades. En PLUG se experimentaba con la robótica, y REVER es una zambullida en el mundo de la materia escénica (luz, objetos, sonido), con el espíritu de crear cuerpos que devengan de ella, en un gesto que invierte un procedimiento más habitual.

“Nos gusta la idea de crear primero el espacio, de hacer un montaje experimental o una experimentación con el montaje de una obra que aún no existe (pero que tal vez sospechamos y que, a medida que vamos creando el espacio, vamos revelando, vamos imaginando danzas posibles, vamos esperando la llegada de los cuerpos como quien prepara la fiesta ordenando el espacio mientras imaginamos la presencia de los invitados)”. Así describe Burgueño el deseo inicial y el modo creativo que adoptaron para llegar a la pieza. Todo era espacio hasta que llegaron los cuerpos. Y esos cuerpos avivan la materia a través de una escucha sensible, que le reconoce su fuerza, su poética y sus misterios.

A fines del siglo XIX y en los albores de las vanguardias artísticas que conmovieron al siglo XX, una bailarina americana, que como muchas en esa época, migró a París para desarrollar su arte en el ombligo cultural del mundo, fue pionera en el recurso a efectos lumínicos aplicados al movimiento, a través de proyecciones de luz sobre velos que cubrían un cuerpo al borde de la desaparición. Löie Füller, históricamente a la sombra de Isadora Duncan, dio los primeros pasos hacia un pensamiento integral del espectáculo de danza y hacia el corrimiento del “yo” como centro de la escena. En un gesto futurista antes del futurismo, captó la fuerza del movimiento puro desde un abordaje experimental y curioso del mundo de la ciencia, con el que dialogó fluidamente, utilizando principios y materiales recién descubiertos. Continuar leyendo «La escucha de la materia»

REVER
Colectivo NAAN / Proyecto Rever
1, 2 y 3 de agosto
Sala Zavala Muniz – Teatro Solís
20:30 hrs.

Cuerpos obtusos y desdoblados
Pliegues que crean grietas
Grietas que tragan paisajes efímeros
Paisajes que transcurren y se escurren
Fragmentos que desbordan
Experiencias enmascaradas
(visibles desde su revés)
Entremeses
Balbuceos
Danzas desdibujadas
Seres subterráneos
(anónimos)
Materia vibrante
(mientras tanto, del otro lado, el brillo golpea las pupilas, las pestañas suspiran, los murmullos divagan, el paisaje deleita al distraído pensamiento, una gigante imagen rítmica se desprende de todo intento de aprehensión)

Pasar al otro lado del espejo es pasar de la relación de designación a la relación de expresión: sin detenerse en los intermediarios, manifestación y significación. Es llegar a una región en la que el lenguaje ya no tiene relación con unos designados, sino solamente con unos expresados, es decir, con el sentido.

Deleuze y Alicia a través del espejo en La lógica del sentido

REVER es un proyecto de experimentación e investigación en la relación entre la materia, la luz y los ritmos. El campo de trabajo y la búsqueda se orienta hacia las posibilidades de reflejo y reverberación, la creación de sensaciones visuales y el juego con ilusiones ópticas que confundan los parámetros espacio_temporales reales.

El equipo

Creadores integrantes del proyecto:
Natalia Burgueño, Pablo Caballero, Victoria Colonna,
Ivon Delpratto, Leticia Martínez, María Noel Rosas,
Lucía Severino, Mercedes Sotelo y Nicolas Soto.

Participaron del proceso inicial de investigación: Leticia Martínez e Ivonne Delpratto.

Gracias a Adriana Belbussi, Manuela Casanova, Vera Garat, Tamara Gómez, Catalina Lans, Santiago Turenne, Lucía Valeta y a todos aquellos que acompañaron con miradas atentas y sensibles las diferentes instancias de apertura y de residencia por las que transitó este proceso de creación.

Rever fue seleccionada por la Convocatoria anual PAR 2016 y es Residente 2017 – Programa Residencias Casarrodante

Acerca de la Directora

Natalia Burgueño Pereira

Soy creadora escénica. Trabajo con y desde la danza y el teatro. Dí cursos, presenté obras y realicé proyectos de creación en varias ciudades del Uruguay y de otros países (Portugal, España, México, Argentina y Brasil). Mis obras han abordado diferentes campos de investigación, cada uno con sus prácticas, estéticas y cuestionamientos específicos. En este absurdo intento de definir algo de mi, puedo decir que me interesa eso: cuestionarme desde la práctica estética, específicamente escénica. Disfruto del teatro como un espacio de ilusión donde podemos estar juntos, resonarnos, escucharnos y percibirnos de otra manera.
Algo más de mí: www.cargocollective.com/nataliaburgueno

Las noches del 11, 12 y 13 de julio,
Vera Garat, Santiago Turenne y Leticia Skrycky
presentaron ENTRE,
en la Sala Zavala Muniz del Teatro Solís.

Registro fotográfico: Paola Nande.

Sobre ENTRE

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Acercamiento al proceso creativo de ENTRE / Garat – Skrycky – Turenne

El proyecto de escritura de textos de acercamiento a los procesos creativos de las piezas que se presentan en el Ciclo Montevideo Danza 2017, se realiza gracias al apoyo del Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE).

Desde que Turner lo introdujera en el campo de los estudios teóricos, lo liminal apunta a la relación entre el fenómeno –ya sea ritual o artístico- y su entorno social, aspecto que ha comenzado a ser particularmente atendido por la estética relacional. Adelanto mi percepción de lo liminal como una zona compleja donde se cruzan la vida y el arte, la condición ética y la creación estética, como acción de la presencia en un medio de prácticas representacionales.

Ileana Diéguez Caballero

La primera particularidad de este proceso refiere a la propia conformación del equipo de trabajo y la distribución -o más bien, la no distribución- de roles dentro del mismo. Vera Garat, Leticia Skrycky y Santiago Turenne, vienen apostando, desde PARDO (la creación anterior, que funda la tríada), a crear desde una óptica transdisciplinar según la cual, la luz, el sonido y los cuerpos se entretejen sin jerarquías a partir de una experimentación conjunta, donde ningún elemento le dicta cómo comportarse al otro. Así, proviniendo de formaciones diferentes, se presentan en esta tríada como artistas de la escena, restándole importancia a las especificidades del lenguaje cultivado hasta el momento por cada cual, abriendo un espacio de indeterminación para pensar lo escénico en prescindencia de las fronteras disciplinares, en un gesto devaluatorio de categorías y saberes instalados.

Durante el proceso creativo de PARDO, los artistas profundizaron en la búsqueda de un modo de trabajo específico de este abordaje conceptual. En este sentido, ENTRE comienza donde terminara PARDO, es decir, con un modo operativo ya aceitado que se vierte sobre nuevas preguntas éticas y estéticas, en especial aquellas que refieren a la convivencia entre artistas y espectadores, al convivio –como lo ha popularizado Jorge Dubatti- en sus múltiples posibilidades de expresar a la obra de arte como intersticio de lo social. Continuar leyendo «Lo bello es lo vinculante»

ENTRE
Dir.: Garat – Skrycky – Turenne
11, 12 y 13 de julio
Sala Zavala Muniz – Teatro Solís
20:30 hrs.

“El estar no es una Idea, sino una instalación de las cosas, indiferente a toda racionalidad, que sin ser generada, genera. Decir generación supone racionalmente el esquema causal, la existencia de una trayectoria desde algo a otro.
Pero lo fáctico es que se da algo y se da otro, se produce un irse sucediendo uno y otro, como instalaciones sucesivas (…)
Lo que está no se encuentra en relación con lo esperado, ni lo enunciado, ni se cuantifica como Unidad.
Todo está, pero no es determinable, ya que no se puede decir de lo instalado que es.”

Una Metafísica en Castellano
Eduardo Del Estal

Luego de haber estrenado la obra PARDO, Garat, Skrycky y Turenne deciden continuar explorando la base conceptual de dicha investigación. A través de diferentes abordajes transitan los conceptos de opacidad, liminalidad y transposición, deslizándose hacia un nuevo territorio poético y estético. Exploran entre lo lumínico, la corporalidad, lo sonoro y lo relacional.

Este proceso formó parte del Ciclo Microescena 2016 del Centro Cultural España / CCE; y del programa de Creación Transnacional en Residencia de Arqueologías del Futuro 2016 (Bs As, Argentina); fue proyecto residente en GEN / Centro de Artes y Ciencias.

Ficha técnica

Dirección y Realización:
Vera Garat
Leticia Skrycky
Santiago Turenne

Garat – Skrycky – Turenne

Creadores escénicos residentes en Montevideo, Uruguay.

Trabajan en la búsqueda de una línea común tanto estética como ética. Investigan modos de producción escénica y lógicas colaborativas a partir de relaciones posibles entre diferentes lenguajes artísticos. Actualmente continúan desarrollando la línea de investigación planteada desde su primer trabajo de co-creación, PARDO.

<in media res> de Proyecto Incorporar
inaugurando la octava temporada de Ciclo Montevideo Danza.

Funciones del 23, 24 y 25 de mayo.

Fotografía: Paola Nande

> Sobre <in media res>

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El proyecto de escritura de textos de acercamiento a los procesos creativos de las piezas que se presentan en el Ciclo Montevideo Danza 2017, se realiza gracias al apoyo del Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE).

Acercamiento al proceso creativo de in media res /
Colectivo INCORPORAR

Estamos en la época de lo simultáneo, estamos en la época de la yuxtaposición, en la época de lo próximo y lo lejano, de lo uno al lado de lo otro, de lo disperso. Estamos en un momento en que el mundo se experimenta, creo, menos como una gran vida que se desarrolla a través del tiempo que como una red que une puntos y se entreteje.

Michel Foucault

La octava edición del Ciclo Montevideo Danza se inaugura con la presencia de un colectivo multidisciplinar de artistas de la danza, el circo, la música y las artes visuales. La plataforma que los aproximó fue el Encuentro de Jóvenes Creadores que tuvo lugar en 2015 en el Taller de Danza y Creación Casarrodante, de cuyo programa de formación en danza contemporánea son egresadas la mayoría de las bailarinas con que cuenta el proyecto. A partir de entonces, el colectivo Incorporar ha presentado varios trabajos, formando parte de la programación del Centro Cultural de España, del Auditorio Vaz Ferreira y del Festival Internacional de Danza Contemporánea del Uruguay, así como de los eventos que Casarrodante viene desarrollando con el fin de nuclear y potenciar a esta población joven de la danza (juventud que se mide sobre todo en relación a la visibilidad de los artistas en cuestión y que, como todo rótulo, funciona solamente en cuanto estrategia para la creación de instancias de intercambio y desarrollo como las mencionadas).

Apasionados por la captación del acontecimiento al modo en que lo trabajan filósofos como Badiou o Deleuze, así como por la intuida y experimentada potencia de los cuerpos, estos creadores apuestan a modos de lo escénico distantes de la idea de “obra”, con el fin de alcanzar un estadio de “ser vivo” que por su cualidad mutante se erija como un agente transformador del espacio y las relaciones que lo componen. De ahí que la locución latina que da título a esta pieza refiera simultáneamente al recurso literario clásico descrito por Horacio que implica que el comienzo de una narración suceda en mitad del acontecimiento narrado, y al hecho de que el grupo se encuentra en medio de un trabajo del que de alguna manera no se puede identificar el comienzo o el final, porque no se trata de una trayectoria lineal sino de una inmersión plena en un mundo concebido como una red de preguntas que producen acontecimientos y acontecimientos que devuelven preguntas. Así también, cuando llegamos a la sala, nos encontramos con que todo ha comenzado ya en algún momento que no podemos precisar, decisión que vuelve operativa dentro de la sala teatral a la figura de la irrupción que encontraba su espacio natural de desarrollo en las presentaciones callejeras o en espacios no convencionales que el grupo practicó con más frecuencia. ¿Cómo irrumpir en la sala teatral generando un efecto similar al que se produce en la calle cuando lo cotidiano se topa con el dispositivo creado? ¿Cómo afectar al vecino cuando se trata del espacio legítimo y convencional de la escena en el que las relaciones entre los espectadores y entre estos y la obra parecen regladas de antemano? Son algunas de las inquietudes que in media res explora en la acción y en el pensamiento que -junto con la filósofa uruguaya Annabel Teles- se conciben como indisociables: “Al aceptar la movilidad del acontecer, el modo mismo del pensar se modifica; incorpora un impulso transformador; da lugar a un pensamiento afectivo, relacional, imbricado con el devenir.”

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